一、概论
文艺复兴（renaissance）一词的原意是“再生”的意思，主要历史跨度为15-18世纪。它最早产生于14-15世纪的意大利。可分为早期文艺复兴时期（15世纪），盛期文艺复兴（15-16世纪初）和晚期文艺复兴时期（16世纪中叶到末期），以及后来的巴罗克时期。
文艺复兴是欧洲的一段极为重要的时期，是一次重大的新文化运动。文艺复兴的一个非常重要的成就就是对人性的发现，也就是人文主义或者人本主义的提出，这一点非常重要，它直接孕育了后来西方资本主义启蒙运动的民主、自由和平等的思想，并根本改变了中世纪以神为中心的思想观念，而重新回到对人的尊重的观念上。

二、文艺复兴时代的艺术特点
1.新的理想
A．文艺复兴艺术从人的伟大和尊严的全新观念出发；动作变得潇洒而情绪感受更深切、更热烈。人的素质明显得到明显提高，对意蕴深远和庄严尊贵的感受力开始明确化，令哥特艺术在人物姿态方面显得胆怯和束手无策。在这样的情况下，一切艺术表达都转化成新的语言：嘹亮的顿音便转化成圆润的和声。
比如说在以往的表现基督受洗的画中，基督的形象变得更有人性特征，经常带有一种哀婉然而又非常尊贵神圣的感觉，表情平静，感情细腻。而不像哥特艺术中故意拉开基督与人之间的距离，基督完全是凌驾于人之上的在另一个世界感化和召唤人们的神，而不会降临人间帮助大家。
B．艺术家在追求不受拘束的自由形式的同时，还将所谓“古典的静穆”的一种节制感作为表现的重要标准。这种例子比比皆是，比如达芬奇的《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》，都便显出一种典型的“古典美”，也就是那种很难捉摸的迷人然而又有些克制的宁静感。
C．西方流行的良好教养实际上是始于16世纪的意大利，大量现实生活中的姿势和动作都从图画中消失了，因为这些东西让艺术家觉得俗不可耐。日益强大的资产阶级的艺术被改造成贵族的艺术，这种艺术采用了上层阶级流行的行为和感情作为特有的标准，而排斥普通人的生活情趣和感情，并将整个基督教世界、圣教徒和英雄在艺术中的形象，都塑造为贵族的形象。于是，从文艺复兴开始，普通人与贵族之间的鸿沟，不论是生活上的，还是艺术上的差别，开始确定下来。
比如吉兰达约（米开朗基罗的老师）所画的《最后的晚餐》中，圣彼得做了一个用大拇指指向基督的姿势，这是平民的姿势，因此在文艺复兴盛期之后，贵族艺术家们立即拒绝了他。再比如以往表现莎乐美公主跳舞的绘画中，把她画得像一个性急的女学生在房间里到处乱蹦，但是在文艺复兴时期，公主应该跳慢步而庄重的舞蹈，所以在绘画中也这样描绘。还有圣约翰的父亲因为是一位朴实的农民，所以在以前的绘画中经常表现他翘着二郎腿，但是文艺复兴后就开始拒绝这种表现。
真正的贵族举止动作是从容大方的，以便引起人们的注意，应该既不装腔作势，也不像一根树桩那样生硬挺直。贵族是贵族应该是的样子，因为他永远经得起挑剔。男人，尤其是女人应当具有平静的、近乎漫不经心的举止，避免一切激烈的举止，一切都应该温文尔雅。现代欧洲还是如此，在《格调》一书中有非常好的描述。
D．只允许与绘画内容真正有关的东西在画面上出现。早期的（比如15世纪）的绘画包括了很多风俗世态或田园牧歌式的特写，但这些内容尽管很纯真，但与真正的主题几乎没有任何关系。比如在西斯廷礼拜堂中，科西莫·罗塞利（佛罗伦萨画家）描绘的《最后的晚餐》中，前景中画了一只狗和蹦来蹦来的猫，旁边还有一只小狗用后腿站起来乞怜。尽管画中的所有宗教情感完全丧失了，但并不会引起人的反感。这种喜爱迎合公众的热闹场面，与崇高风格是格格不入的。
但是到了文艺复兴盛期，比如拉斐尔将画中所有不必要的人物都清除出去，同时还在画中显示直接吸引观众的戏剧性情景，在他描绘某些奇异事件发生的画中，每个人都以最动人的惊恐姿势做出反应，然而在早期的此类题材的绘画中，即使所有人的激动加起来，也没有拉斐尔画中一个人的神情激动。这个时期，艺术家已经不用去发现那种震撼心灵的巨大激情，因为这种激情早已在艺术家心中，艺术家研究的是怎样艺术的利用这些激情。
E．肖像画的戏剧化。早期的肖像画具有非常可贵的单纯性，丝毫不想强调个人特质，然而与古典式肖像画（classical portraits）相比，他们显得非常冷漠。古典式肖像画应当直接表现出模特在想什么在说什么，只表现脸面的不变结构是完全不够的，还要表现自由的精神生活的瞬间特征。因此，艺术家都在寻求发现模特性格最有意味的方面，也就是说，人的尊严备受尊重，从当时的绘画中，可以感受到当时的艺术家拥有比以往艺术家更强的能力和更敏锐的感受力。后来以至于发展成一条不变的定理“每个画家都应该加强脸部的崇高与庄严，掩饰自然的缺陷，就想古代画家（指古希腊和古罗马）的惯例那样”。
据说米开朗基罗认为，模仿具有各自局限性的任何俗物是艺术的堕落，除非被模仿之物具有至上之美。然而，这种预先安排包含着歪曲个人特性，将模特的个性特征强行纳入与其不相干的表现图式中的极大危险。这一点在文艺复兴盛期之后，许多糟糕的模仿者随即陷入这种危险。
F．圣经人物的描绘发生了转变，从一种世俗的方式转变为一种贵族的冷漠寡言的方式。比如圣经中羞怯的少女，在文艺复兴盛期的绘画中，都变成了女王的形象。早期绘画中抱着“小耶稣”的圣母可能是街坊中某位受人尊敬的主妇，在盛期变成至尊至贵而且冷若冰霜。他不再眯著眼对观众微笑，不再是双眸垂视、羞怯谦虚的玛丽亚，也不是一位目光盯着孩子的年轻母亲，而是一位显得自尊自信，习惯于众人下跪的女王。
G．强调表现超自然方面的题材。对文艺复兴早期的艺术而言，最高目标是现实性——现实主义，比如不管美不美，在一幅《基督受洗》中，基督必须表现为两脚浸没在水中。但是，盛期的艺术经常抛开这些现实题材，比如米开朗基罗在《圣母怜子》的雕塑中，圣母比基督要年轻得多，完全是一位少女的形象。这说明艺术家不再把现实性作为艺术的决定性因素，如果非自然或者超自然的因素有助于艺术效果，就会毫不犹豫地接受。
从另一个角度讲，文艺复兴时期的艺术并未完全抛弃现实，艺术仍是对日常生活的说明，但艺术家认为，对尊严和高贵的描绘只可能通过精选现实中几乎不存在的各种类型的服装和建筑来满足。达芬奇曾经建议当时的艺术家不要在绘画中使用当时的服装，因为他们在审美上没有好处，只适合在坟墓中使用，他建议使用古代式样的服装，不是为了获取古代的外观形象，而是为了使身体得到最佳的表现。
最令人们吃惊的是艺术体裁中裸体和半裸体的使用，这完全是为了追求和满足一种艺术理想而牺牲现实性。文艺复兴最突出的革新人物是米开朗基罗，他造就了概括化的英雄风格，并无视地点和时间，他的理想主义属于最有影响和最无拘无束的一类，比如在米开朗基罗在西斯廷壁画中所画的人物几乎都是裸体，他的艺术世界中，现实世界完全遭到破坏，他完全沉醉在自己创造的美妙艺术乐趣之中。他是所有自然主义者中最伟大的人物，也是最伟大的理想主义者。他具有对事物个性描绘的所有天赋，他既能最彻底地放弃外部世界，又能按自己的观念进行独创。
文艺复兴艺术更加注重对于美的沉思，并开始对各种普遍的艺术类型加以改造，这种改造不仅用一种崇高的观念取代了卑微的观念，而且也完全抛弃了一些不美的形式。

2.新型的美学观念
A．在人物造型的举止动作方面，追求稳健、简单和自然的动作，那些过度装饰、生硬造作和站立不稳的缺点都已经克服。在每一件作品中，人物动作都被赋予了更强的气势和活力。新的审美观最不能容忍的是过度紧张和不自然的动作。
B.新型人体形象的出现。早期文艺复兴的趣味更喜欢那种未充分发育的苗条轻盈的形体，青年人清瘦优雅和富于弹性的曲线，比成年女子丰腴饱满和成年男子的肌肉发达更有魅力。但是在文艺复兴盛期，拉长形体的方法被抛弃了。所有的肢体都被表现的更丰满、更强壮。美再度体现在古代理想中丰满躯干的宽大臀部中，视觉上追求的是宽大而统一的的美感。
    文艺复兴盛期的艺术认为关节分明的形体是富于美感的，追求人体表现的强烈结构和表现内在形式，强调形式的水平线。因此，绘画中人体的头部变的硕大，人们欣赏结实的下巴和丰满的面颊，甚至女人的嘴巴和鼻子也不追求小巧和别致（翘鼻子），而将他们描绘的文静匀称（高直的鼻型），表现强烈的高贵特征。人物脸颊追求对称或者匀称，追求清晰性和可辨性，追去合乎逻辑的比例关系。这也是希腊艺术追求的目标。
C．追求艺术的重量感和节奏感，以及整体感和结构感。比如肖像画中把头发都表现为梳得光滑服贴、有条不紊的体块。要求有分量的衣料和潇洒飘逸的饱满形体，拒绝结构复杂的式样和琐碎的装饰，而衣裙厚重的褶子取代了有编织图案的衣料，只考虑大面积的对比关系，并要求产生一种用手牢牢握住物体的感觉，而不是用指尖轻轻触及的感觉。
D．由于建筑是任何他的实际感受在外部世界的透射，因此建筑随之变化，变得严肃和庄重，并迫使继承于哥特风格的早期文艺复兴建筑风格变得更加有分寸。大量的装饰、宽阔的拱券、细长的圆柱全部消失，取而代之的是庄重而有节制的形式，神圣的比例尺度和严肃的单纯朴素。鲜艳的色彩和生动的琐碎细节完全被抛弃了。关于建筑后面再讲。
E．审美趣味向立体造型的转变，强调浓重的阴影和透视效果，而将鲜艳的色彩摆在次要的位置。达芬奇曾经嘲笑那些不愿意为造型而牺牲色彩美的画家，说他们是妙语连珠却又不知所云的空头演说家。同时在后期，艺术家对世界的兴趣越来越只限于人物形象，而放弃了许多美好而生动的自然题材。
F．文艺复兴艺术的精神世界追求与古代（古罗马和古希腊）精神世界的统一。当时的艺术家大量吸取了古罗马和古希腊的艺术精华和艺术母题，但同时又能确保自己的艺术不会在古典艺术世界中迷失。他们从不赞同精确地再现古代艺术，而是强调古代艺术的单纯性，同时尽力克服自己对装饰的放纵欲望。
G．追求绘画的复杂性和形式观念的三维特征。由于透视法的发明，艺术家开始全面把握各种人体动态，开始深入探究人体主要关节和次要关节的扭转和弯曲的各种可能性，即使以往认为是简单的二维平面处理，现在也开始按三维深度处理。我们可以从文艺复兴时期大量研究人的各种器官的素描图中，比如各个角度的手和脚，体会当时对这种三维景深的痴迷。甚至到后来，这种对透视的无休止研究，已经让某些艺术大师厌烦，比如意大利画家阿尔贝蒂内利后来干脆放弃绘画而去经营小酒吧。
充分发挥光与影的作用，反映一种可触及的固体性和周围空间的效果。当时的艺术家认为运用光影的造型方法比透视法更容易获得空间感。达芬奇在年轻的时候最大的理想就是“给形象最大限度的浮雕感”，这也是他毕生追求的理想。他明确主张在一幅画中最暗的部分应该出现在强光部分的旁边，甚至米开朗基罗在最严格意义上说，就是一位素描画家，他非常强调绘画的明暗效果，而经常忽视色彩的意义。
H．追求艺术的统一性和必然性。构图观念自艺术出现以来就一直存在，但是真正意义上的各部分内容的相互关系安排，出现在文艺复兴时期。以往的构图都缺乏一种连接各个部分的特殊聚合物。在文艺复兴时期，艺术构图的各个部分必须同时看到，而且还相互联系，形成统一整体，它通过对整个框架内局部功能的深入理解来把握一种特殊的内在协调关系。
比如在达芬奇的《最后的晚餐》中，有一个处于支配和协调地位的中心人物（耶稣），以及各自在总的情节框架中起着不同作用的一群人（耶稣的追随者），然而在这幅画中，没有一样东西（比如一块石头）可以在去掉之后或者加入任何东西，还能保持整幅画的整体平衡。文艺复兴时期，这种平衡原则已经达到了非常精确的地步，也成为衡量古典艺术是否完美优秀的一个主要评判原则。在文艺复兴盛期，高贵的姿势、有节制的行为举止和宽大有力的美是那一代艺术家（比如米开朗基罗、达芬奇、拉斐尔、提香等艺术大师）的共同情感特征，这种特征不断聚集在他们的艺术作品中，以至于发展到能将艺术作品中的各部分完全融合成一种必然的统一体。

把Duchamp这个人归入未来主义或者是达达主义，我是一百个不赞同。因为他是一个蔑视权威、蔑视规则、蔑视”所谓“艺术的人！！所以把他归入任何一类都不合适，类别只适合那些循规蹈矩的艺术家。即使是米开朗基罗这样的古典主义大师也在不断的寻求打破既有传统的突破口！！我非常喜欢古典艺术，但不喜欢一成不变！！

下面是我对古埃及艺术的一点认识，大家随便看看吧！主要总结自贡布里希（Gomblich?）的艺术发展史！

西方艺术的根源在古埃及，不管是西方现在任何的建筑和绘画或者雕塑，都与6000年前尼罗河流域的艺术之间，有着直接的联系，因为古希腊的艺术大师都曾经向古埃及人学习，而所有西方艺术又直接从希腊传承下来。这样，就可以理解埃及艺术对西方艺术有着多么重要的作用了。
几何形式的规整和对自然的犀利观察二者相结合，是一切古埃及艺术的特点。埃及艺术家绘画和雕刻的方式和我们现在不大一样，他们是为法老或者贵族画画，所画的一切东西都是这些人在死之后进入另一个世界所必需的东西，因此对他们来说，绘画的关键不在于好不好看，而在于完不完整，也就是画出来的东西和实物一定要对上号，不能有半点差错，不能认不出来是什么东西。艺术家的任务是通过绘画和雕塑尽可能清楚的、尽可能持久的把一切事物都保留下来，比如，古埃及人认为只把法老的尸体做成木乃伊还不够，还必须在法老墓中雕一个法老的花岗岩雕像，然后对雕像行使魔咒，帮助法老的灵魂寄生到雕像中，这样雕像不倒，法老的生命就会永远延续下去。所以埃及艺术家的绘画和现代绘画不一样，并不是从看上去比较美的角度描绘自然。
他们根据记忆作画，然后遵循一些严格法则，比如构图法则，颜色法则，坐下的雕像必须把双手放在膝盖上；男人的皮肤必须涂得比女人的深，还有太阳神必须表现为一只鹰，或者一个鹰头，而死神必须表现为一只豹子，或者画一个豹子头，不要求创新，也不能随便根据自己的发挥和想象绘画，而必须描绘一切所需要的东西。因此，他们画画很像在画地图，不像现在意义上的绘画。
举个例子，比如画一个池塘，（在黑板上示范）对我们来讲就会很难处理，如果画一个侧面，就只能看到树，看不见池塘。如果画池塘，又不可能画出所有的树。但是埃及人是这样画的。（画树，长方形池塘，还有鱼），说白了就是怎样看的清楚怎样画。
埃及艺术家不仅要遵循上面讲的这条规则，就是通过自己所掌握的绘画知识必须把自己认为重要的东西都包括在所描绘的东西之中，必须画得非常真实，而不是从某个角度画；他们还要在绘画中体现他们对所画的这些东西的意义的知识，比如，在现实中奴隶主是奴隶的主人，那么在绘画中，奴隶主就必须比奴隶画的要大，甚至奴隶主的儿子和妻子也必须比奴隶画的要大，当然又要比奴隶主画的小。
一旦掌握这些知识，就很容易解读古埃及绘画了，当然还要有一些背景知识，实际上，从某种程度上讲，古埃及的绘画和雕塑比现在要真实，在他们的画中，每个人的身份等级，以及生活环境表达的一清二楚，而现在却没这么容易实现。

古希腊艺术的特点
1.希腊艺术的伟大革命：短缩法和自然形状的发现
a.短缩法：当物体离开眼睛或视点远去时，物体体积的缩小。但与透视法不同，透视法是由一个消失的原点作为中心，而短缩法并未达到这么精确的描述，一直到文艺复兴时期，才逐渐发展成一种科学的方法。
b.严格的循规蹈矩和寓变化于规矩之中所达到的平衡，是希腊艺术的最吸引后来艺术家不断回顾希腊艺术的主要原因。希腊人要求绘画和雕塑可以自由的表现人体形象的种种姿势和动态的新发现，以反映出人物的内心世界。比如菲迪亚斯为雅典卫城帕提农神庙（不是露天的那个）雕刻的雅典娜神像，雅典娜（帕拉斯·雅典娜），智慧女神，雅典的保护神，在古罗马神话中的名字叫米涅瓦（Minerva），她在无意中杀死了海神的女儿帕利斯，为了纪念她，便自称帕里斯·雅典娜。这是一个庞大的木头像，高度大约为10几米（36英尺），身上包裹着贵重材料——黄金的盔甲和衣服，象牙的皮肤。左手扶在盾牌上，右手放在一个矮柱上，左腿稍微有些弯曲，眼睛凝视着右前方。盾牌和盔甲上还涂着大量的耀眼的颜色，雕像的眼睛是用彩色宝石制成的。她的头盔上有几只半狮半鹫的怪兽，盾牌里还盘着一条蛇。雕刻家让这尊雕像不仅要表现尊严，还要表现雅典娜的美丽，也就是表现雅典娜作为女人的魅力，这种表现与古埃及时候的神像表现已经非常不同了。
菲迪亚斯是希腊艺术革新的肇始者，使得后来的希腊艺术大师逐渐迈入一种很高的境界，就是达到了形式化的形象与真实形象之间的完美平衡。当时希腊著名的雕塑有：眺望楼的阿波罗，米洛的维纳斯，拉奥孔群像（拉奥孔是特洛伊城的祭司，他看到要进城的木马中藏有希腊士兵，因此就警告他的同胞不要收下这些木马。但是神看到他们要毁灭特洛伊城的计划遭到挫折，受到拉奥孔的阻挠，就派两条巨蛇从海中钻出去把祭司和他两个不幸的儿子缠住憋死）。
2.艺术家的地位：
在古希腊，统治者或者贵族都是一些有钱人以及一些诗人和哲学家，而艺术家，包括建筑师被认为是下等人，因为他们像普通苦力一样用双手工作， 所以不被认为是上流社会的成员。
3.结论：
希腊人的艺术冲破了早期古埃及艺术的禁律，走向一条真正的艺术之路，通过仔细的观察和对完美形象的追求给世界形象增添了越来越多的特点。他们的作品绝不是一面仅仅反射自然某个角落的一面镜子，而是永远带有创作者的智慧和天赋。

古罗马艺术的特点
1、古罗马的典型艺术手法是从希腊艺术中取其所好，然后按照自己的需要加以运用。举例说明，其中一项就是制作优秀的半身像。古罗马时期，罗马人必须在皇帝面前，或者半身像前宣誓表示忠诚，当时的许多基督教徒因为不愿意向上帝之外的神像宣誓，被判处死刑（一般都是投入到大斗兽场中，被狮子老虎咬死）。罗马的雕像尽管有这么严肃的意义，但是统治者却没有要求艺术家必须美化雕像，甚至产生尊严感。当时的艺术家将统治者的半身像做的非常真实，甚至会用石膏模型套取死者的面型，他们好像根本不愿意将统治者表现为神，比如维斯佩申（曾建造了罗马大竞技场和凯旋门）的雕像做得犹如一位银行家或者公司老板。尽管如此，神像却没有产生一种猥琐感。古罗马艺术家在艺术方面尽管没有取得希腊艺术家这么高的成就，但却创造了一种逼真然而不平凡的效果。
2、古罗马人的艺术着眼于准确表现全部细节和清楚的叙事，而不在注意希腊艺术中和谐、优美和戏剧性的表现。比如上次课中讲的希腊雕刻中对游行队伍的表演者的动感刻画（表现了表演者上窜下跳以及马的动态的平衡效果）。但是在古罗马的纪功柱上的雕刻中，只是把一幕幕的战争胜利场面如实的记录下来。（要说明的是：这与古埃及艺术在目的上有类似之处，但是在手法表现上，古罗马艺术与古埃及艺术截然不同，它吸取了古希腊艺术的表现技巧（短缩法和对自然形状的描绘）。）因为罗马人是讲求实际的民族，对幻想的东西不太感兴趣。古罗马人用图画记述英雄伟绩的方法，后来被基督教广泛采用发扬光大，基督教堂中常有彩色玻璃画，就是为了给教徒提供圣经素材的，也就是所谓的恶傻子圣经，因为古时候识字的人很少。
3、在古罗马帝国衰亡时期，艺术家已经不再注意古希腊艺术的辉煌成就了。比如雕刻家在雕刻时常常采用了一些相当简单易行的方法，只要能让观者分辨出哪里是脸，那里是眼睛和鼻子，那里是脚，就可以了，所以这些雕像在希腊人和早期古罗马艺术家那里根本称不上是美。在经过大规模的战争、叛乱和外族入侵之后，许多艺术技巧都失传了。随着基督教在欧洲的逐渐兴起，古代社会也随之终止。

古罗马艺术的特点
1、古罗马的典型艺术手法是从希腊艺术中取其所好，然后按照自己的需要加以运用。举例说明，其中一项就是制作优秀的半身像。古罗马时期，罗马人必须在皇帝面前，或者半身像前宣誓表示忠诚，当时的许多基督教徒因为不愿意向上帝之外的神像宣誓，被判处死刑（一般都是投入到大斗兽场中，被狮子老虎咬死）。罗马的雕像尽管有这么严肃的意义，但是统治者却没有要求艺术家必须美化雕像，甚至产生尊严感。当时的艺术家将统治者的半身像做的非常真实，甚至会用石膏模型套取死者的面型，他们好像根本不愿意将统治者表现为神，比如维斯佩申（曾建造了罗马大竞技场和凯旋门）的雕像做得犹如一位银行家或者公司老板。尽管如此，神像却没有产生一种猥琐感。古罗马艺术家在艺术方面尽管没有取得希腊艺术家这么高的成就，但却创造了一种逼真然而不平凡的效果。
2、古罗马人的艺术着眼于准确表现全部细节和清楚的叙事，而不在注意希腊艺术中和谐、优美和戏剧性的表现。比如上次课中讲的希腊雕刻中对游行队伍的表演者的动感刻画（表现了表演者上窜下跳以及马的动态的平衡效果）。但是在古罗马的纪功柱上的雕刻中，只是把一幕幕的战争胜利场面如实的记录下来。（要说明的是：这与古埃及艺术在目的上有类似之处，但是在手法表现上，古罗马艺术与古埃及艺术截然不同，它吸取了古希腊艺术的表现技巧（短缩法和对自然形状的描绘）。）因为罗马人是讲求实际的民族，对幻想的东西不太感兴趣。古罗马人用图画记述英雄伟绩的方法，后来被基督教广泛采用发扬光大，基督教堂中常有彩色玻璃画，就是为了给教徒提供圣经素材的，也就是所谓的恶傻子圣经，因为古时候识字的人很少。
3、在古罗马帝国衰亡时期，艺术家已经不再注意古希腊艺术的辉煌成就了。比如雕刻家在雕刻时常常采用了一些相当简单易行的方法，只要能让观者分辨出哪里是脸，那里是眼睛和鼻子，那里是脚，就可以了，所以这些雕像在希腊人和早期古罗马艺术家那里根本称不上是美。在经过大规模的战争、叛乱和外族入侵之后，许多艺术技巧都失传了。随着基督教在欧洲的逐渐兴起，古代社会也随之终止。

拜占庭的艺术特点
1．大量运用镶嵌画来表现宗教故事。镶嵌画来自古罗马艺术，比如在庞贝城就发现了镶嵌画。由于镶嵌画比壁画保存的时间更为长久，所以拜占庭时期，镶嵌画的运用达到巅峰，可以在墙壁上，天花板上，穹窿顶上，地板上发现各种表现以宗教题材为主的日常生活、街景和建筑的绘画主题。比如在当时的一幅画中表现的福音书中的故事：基督用五个饼和两条鱼吃了一顿饱饭。艺术家用石头或玻璃块精心拼制这个主题而不是用手绘，材料颜色饱满使装置着镶嵌画的教堂内部显得辉煌肃穆（马赛克即源于此mosaic）。画的背景是用金黄色的玻璃碎片铺陈，然而金黄色的背景绝不是现实世界的场面。画中的基督是一位长发的年轻人，而不是一位老头。他穿着紫色长袍，向两边伸出双臂祝福，并把饼和鱼递给两边的各两个使徒，基督的眼神是朝向观众的。当观者看这幅画时，这种表现方式使观者在观看这幅画时很容易获得一种“神奇”的感受，体会到基督的永恒力量，明白基督为什么这么坚定的看着观者：结论就是基督要喂养的人就是观看画的人。
2．拜占庭艺术坚持遵循传统和规则，几乎与埃及人的要求一样。在当时，基督教不允许在教堂中摆放神像，因为圣经中曾用大量篇幅谴责异教徒朝拜木石雕像，所以在基督教看来摆放雕像简直就是匪夷所思的事情。但是后来，格雷戈里大教皇提出绘画有助于提醒教徒想起他们已经接受的教义，保证那些神圣事迹永远留在教徒心中。他认为许多教徒并不认识字，所以他说：“文章对识字的人能起什么作用，绘画对文盲就能起什么作用”。然而，教堂绘画不能仅仅当作给不识字的人使用的图解，还应该被看作是超自然的另一个世界的神秘反映。这样，艺术家就不被允许随意按照自己的想象创作了。因为并不是随便什么美丽的画，只要一个母亲带着一个孩子，就可以获准作为上帝之母的圣像。因此，当时的拜占庭教会严格规定了绘画中衣饰、面貌或姿势的画法，包括怎样表现基督和圣母。比如衣服上的褶皱必须裹着身体并且绕肘和膝盖辐射。

原始社会的艺术
首先讲讲原始社会的艺术，原始社会对艺术的理解与现在有很大的差别，现在我们把艺术品摆在美术馆、博物馆里供人欣赏，供人研究，但是原始社会不一样，他们不仅仅把绘画和雕塑当作纯粹的艺术品，而是象建筑一样，把他们当作一些有明确用途的东西。实际上，原始社会艺术的目的比现在要明确的多，也很奇怪。他们建造房屋是为了遮身避雨、挡风防晒，也就是为了躲避那些控制和操纵这些现象的神灵，而制像的目的与此一样，（制像就是雕塑、绘画），也是为了保护他们免遭各种超自然力量的危害，也就是说，绘画和雕塑是用来行使巫术的，也是为了保护自己。
实际上，原始人对什么是实物，什么是图画往往分不清楚。有一次，一位欧洲艺术家在非洲的一个乡村画了一些牛的素描，当他走的时候，当地居民很难过对他说：“如果你把这些画带走，我们以后靠什么过日子呢。”理解这些想法对我们理解原始社会艺术有着非常重要的作用。
在法国拉斯科洞穴的壁画（15000年前）发现的时候，考古学家都不相信这些画是原始人画的，因为他们画得太逼真了，太像了，与现在的绘画比起来毫不逊色。同时这些壁画藏在洞穴比较深的部位，分布也没有什么特殊规律，也就是说，这些动物绘画的分布与现实中一样，没有规律随便分布。他们为什么这样画呢，最合理的解释就是：也许那些原始人狩猎者认为，只要他们画了这些动物在山洞中，也就表示这些动物无处可逃了，然后再拿棍子打两下，这些动物就束手就擒了。
另外，原始人的艺术作品都是打算在各种仪式中使用的，比如祭神，给病人看病，等等，这样，重要的就不是雕塑和绘画按我们的标准看来美不美，而是看它能不能“发挥作用”，也就是说，能不能起到所需要的巫术作用。另外，这些所谓的艺术家是为本部落工作的，部落中的人完全知道每一种形式或者每一种颜色代表的意义。他们对艺术家的期望不是希望他们去创新，而是希望他们运用他们的全部知识去完成他们的工作。
还要注意的是，不要以为原始人的艺术我们看不顺眼，或者觉得他们的工艺不过如此，盖的房子过于简单，就瞧不起原始人的技艺。实际上，与我们不同之处不是它们的技艺水平，而是他们的思想观念。从一开始就理解这一点很重要，因为整个艺术史的发展，包括建筑史的发展，不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史。

伊斯兰艺术的特点
1.伊斯兰教反对绘制人和动物的画像。相传，先知穆罕默德曾说：“谁在今世绘制有生命之物的像，在复生日那人将被迫为其所画之像注入生命，而他是无法注入生命的。”尽管在一些王宫和寝墓建筑中，出现了一些动物和人像，但是在伊斯兰教清真寺内是绝对不允许使用任何有生命的形象装饰殿堂。
2.由于不准表现人物，所以伊斯兰教工匠极其善于制作精细的花边装饰，也就是阿拉伯式图案（arabesques）。我们可以把这些精细的设计和丰富的配色最终归于穆罕默德，是他驱使艺术家的心灵离开现实世界的事物进入那线条和色彩的梦幻世界。在一些允许绘制人物故事的王宫壁画中，尽管与拜占庭艺术一样缺乏现实感，也没有短缩法，也没有尝试明暗色调和人体结构，画中的人物和植物看起来像是从彩色纸上剪下来的一样。然而正因为艺术家避免了现实题材的再现，才使得这些壁画更好的表现了那些近乎于神话故事的主题。
3.在用直线和圆弧线作为连接成分来构成不同层次的循环结构的尝试中，伊斯兰艺术是最优秀的探索者。一般来说任何装饰图案都先采取两个步骤：构框和填补。前者制定区域的界限，后者在划出的区域内组织构图成分。而连接则是将各种成分连接为一个整体结构，比如在窗格、铸铁饰纹中。下面举一个简单例子，来说明装饰图案是如何逐渐构成的。

关于旧石器时代洞穴壁画的作用，至少有5种说法：

1，装饰。这是最早提出来，也是最不被认同的说法。习惯上我们都会比较愿意装饰自己的日常居所，不常去的地方也不会费心去装饰。以法国Lascaux洞穴壁画为例，壁画位于180英尺深的洞穴里，这种地方即没有足够的照明也不方便出入，很难作为合适的日常居所。所以装饰的说法讲不通。

2，20世纪早期有人提出了假设认为原始人相信把动物画在墙上就能具有征服这些动物的能力。换句话说就是给自己打猎带来好运。这也是为什么原始人把人画的非常抽象的原因。

3，20世纪中叶有人提出不同意见，因为某些经常出现在壁画中的动物比如马并不在原始人的食谱中。他们相信这是某种古代神话的记录。

4，20世纪70年代，学者在西班牙的某个洞穴壁画附近的地面上发现了孩童的脚印。于是提出这些壁画很有可能是某种“成人礼”的一部分，在长到一定年纪，年轻人就被年长者带入这个洞穴，观看墙上的各种将来要对付的动物。这种说法的另外一个版本是认为这是某种学习如何打猎的学校。

5，最新提出也是最被接受的说法认为这些壁画和古代巫医有关。因为在某一个壁画中，一个骨架人长着一个鸟头（或者是待着鸟的面具）。即使是今天，在很多文化中鸟往往暗示精神世界的交流。这些壁画很有可能是由巫医所做，记录他们的祭祀过程，或者神话和历史。

关于旧石器时代壁画的解释绝不仅仅这5种，只不过这5种比较成系统比较有名罢了。

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google优化 2008 8月12日)纽约-迈克尔H. Fleischner、MarketingScoop.com的总统和创建者，宣布简单的SEO的出版物使成为： 控制的World’s最大的搜索引擎战略。 现在可利用在Amazon.com。
今天面对企业的大挑战的One，大和小，是他们的能力达到他们的网站的顶面等第。 SEO这个同挑战联系在一起通过解释挑战google排名达到顶面谷歌安置和提供被证明的方法为克服这些障碍用简单的做的简单的答复，容易地被了解的术语。 它的作者，迈克尔H. Fleischner，确定了改进搜索引擎等第的最可贵的技术在实际上所有网站的谷歌甚而最竞争的主题词的。

SEO使简单： 控北京google排名制的World’s最大的搜索引擎战略是试图的任何人的一种重要资源改进他们的在谷歌和其他主要查寻引擎的搜索引擎等第。 书提供独特的洞察入最强有力的方法为提高website’s布局、内容和因素最重要对搜索引擎等第结果。 给出读者在顶面Web站点管理员用google推广于的技术里面的引人入胜的看法达到搜索引擎优势。

Michael MarketingScoop.com Fleischner说， “什么做这本书，因此贵重物品是实用的，容易对跟随读者能开始立刻申请改进他们的在北京google推广谷歌的website’s等第的技术。 象提供精确组合的It’s需要打开搜索引擎优化和谷歌搜索引擎的奥秘”。
简单的SEO使成为是为在网上，特别是做事务小企业主和Web站点管理员的任何人。 这个实用指南对那些是理想寻找的基本的搜索引擎启示并且那些寻找先进的技术采取他们的搜索引擎优化对下个水平。 虽然这些SEO技术对谷歌优化是理想的，许多适用于其他主导的查寻引擎例如雅虎和MSN。

Michael Fleischner是有超过经验实施成功的搜索引擎优化主动性的13年的一个互联网市场专家。 他在国营部门工作了和与在行销、搜索引擎优化和网上行销的观众国际性地现在谈话。 他是MarketingScoop.com的创建者，并且在营销博客和好行销的博客打翻博客。

SEO使简单： 控制的World’s最大的搜索引擎战略， (出版2008年7月。 国际标准书号： 978-0615178639-9. $24.95)是可利用的在我的SEO做的简单的公司的域名(闪电来源和Amazon.com)。

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